Die 20 besten Songs von Tori Amos

Mit ihrem bevorstehenden 60. Geburtstag feiern wir die leidenschaftliche Stimme und die unerschütterlichen, witzigen Texte der Musikerin

Eine packende Reaktion auf die Klage Juliana gegen die Vereinigten Staaten (in der 21 junge Menschen die US-Regierung wegen Verletzung ihrer verfassungsmäßigen Rechte durch die Verursachung gefährlicher Kohlendioxidkonzentrationen verklagten). Amos erhöht die umweltfreundliche Spannung durch eine eindringliche Gitarrenlinie, explosive, nahöstlich klingende Streicher und eine mantraartige Neuinterpretation von Hank Williams' altem Bühnengesang „If the good Lord's willing and the creek don't rise“, gesungen von Amos und ihrer Tochter Natashya.

Die Nervosität vor der Hochzeit, beladen mit Erinnerungen an eine Jugend, die sowohl unbeschwert (mit Gras übernachtete Übernachtungen, David Cassidy) als auch unruhig („Du bist nur bei Magersucht beliebt“) ist, wird letztendlich durch die Beschwörung der scheinbaren Gelassenheit von Jacqueline Kennedy Onassis unterdrückt: die Saiten pulsieren beharrlich; Amos‘ Stimme flattert und steigt.

Amos' Arbeit ist selten unter einen bestimmten Standard abgesunken, was bedeutet, dass ihre späteren Alben merkwürdig unterbewertet wirken: Weil man von ihnen erwartet, dass sie gut sind, kann man leicht übersehen, wie gut sie sind. Das von Corona geprägte Album „Ocean to Ocean“ ist ein typisches Beispiel, wie die einfache, aber eindrucksvolle Klavierballade „Flowers Burn to Gold“ beweist.

Dies ist der Höhepunkt des ambitionierten, von klassischer Musik inspirierten Liederzyklus Night of Hunters. Was genau an dieser Stelle in der Geschichte vor sich gehen soll, ist ein wenig verwirrend, aber man kann das Lied als Meditation über weibliche Macht – oder deren Fehlen – lesen und die Melodie und das Holzbläser-Arrangement sind einfach wunderschön.

Inspiriert von einem Brief eines englischen Fans, der andeutete, dass seine besten Jahre bereits mit 23 Jahren hinter ihm lägen, eröffnet „Pretty Good Year“ Amos‘ zweites Album im dramatischen Stil: eine zarte Klavierballade, die den Hörer mit einem plötzlichen, einsamen Ausbruch torkelnder, Grunge-inspirierter Töne überrascht Gitarre, die die Stimmung von Empathie zu Frustration und zurück verändert.

Der Klang von „Trouble's Lament“ hat einen leichten Country-Unterton, ein Lied, das man entweder als geradlinige Darstellung einer Frau verstehen könnte, die verzweifelt und ruhelos vor ihrer Vergangenheit flieht, oder als feministische Allegorie: „Sie ist bewaffnet und wird für die Seelen von kämpfen Mädchen auf der ganzen Welt / Satan die Stirn bieten.“

Anscheinend basiert Tear in Your Hand auf „Scarborough Fair“, was Sie nicht wüssten – auch wenn im wortlosen Eröffnungsgesang eine Anspielung auf „The Boxer“ von Simon und Garfunkel zu finden ist – klingt „Tear in Your Hand“ klug und gefühlvoll in seiner Darstellung eines Beziehungsendes und einer Stadionhymne. bereit. Es lodert dahin, angetrieben von dröhnendem Schlagzeug und E-Gitarre.

Im Internet gibt es lange Essays, die sich damit befassen, die Texte von Caught a Lite Sneeze aufzuschlüsseln, die offenbar auf alles anspielen, von der sumerischen Göttin Inanna bis zu Amos‘ Affäre mit Nine Inch Nails-Frontmann Trent Reznor. Lassen Sie sich verwöhnen, wenn Sie möchten – solche Dinge sind Kult – oder tauchen Sie einfach in die unheimliche, aufgeladene, vom Cembalo geleitete, von industriellen Rhythmen getriebene Atmosphäre ein.

„The Beekeeper“ war ein Album, das wegen seiner Länge, seiner Abstrusität und – von Amos selbst – wegen seiner Arrangements Kritik auf sich zog. Aber vielleicht sind wir uns alle einig, dass „Schlaf mit Schmetterlingen“ das Highlight ist. Aus dem sanfteren Teil von Amos‘ Oeuvre stammend, ist es ein sanfter, warmer Lobgesang auf eine langjährige Beziehung mit wunderbaren harmonischen Vocals.

Auf dem experimentellen und expansiven Album „To Venus and Back“, das halb live, halb im Studio aufgenommen wurde, grübelte Amos über alles Mögliche nach, von Napoleon Bonaparte über halluzinogene Drogen bis hin zu Femizid. Unterdessen wird auf „Spring Haze“ eine schlimme Flugreise auf alchemistische Weise in einen Song verwandelt, der geheimnisvoll, bedrohlich und – seltsamerweise – sexy ist. Ein Track, der genauso eindringlich ist wie alles, was sie bisher aufgenommen hat.

Die erste Version von Amos' Debütalbum wurde von ihrem Label abgelehnt, was zu einer Reihe neuer Songs führte, darunter „Precious Things“, das – mit seinen bewusstseinserweiternden Texten und seinem immer stärker werdenden Schwung – wie ein plötzlich brechender Damm der Frustration klingt. Einprägsamster Satz: „Damit du mich kommen lassen kannst – das macht dich nicht zu Jesus.“

„Cooling“ wurde für „Boys for Pele“ geschrieben, aber auf eine B-Seite verbannt – fälschlicherweise, wie Amos später urteilte, was erklärt, warum sie auf der Bühne so oft darauf zurückgegriffen hat. (Die bekannteste Version befindet sich in der Live-Hälfte von To Venus and Back.) Sie schafft es, sowohl lyrisch elliptisch als auch völlig herzzerreißend zu sein: eine ziemliche Leistung.

Amos‘ neuntes Album, American Doll Posse, war schwer zu verkaufen – 23 Titel, angeblich von fünf verschiedenen Künstlern vorgetragen, mit allem von Ragtime bis zu experimentellem Gitarrenlärm im musikalischen Mix – aber „Bounce Off Clouds“ ist ein reines Vergnügen. Es ist einfach ein fabelhafter, mitreißender Popsong mit einem tollen Refrain.

Mitte der 90er Jahre allgegenwärtig und immer noch Amos‘ bekanntestes Lied – gecovert von Florence + the Machine, kürzlich im Soundtrack der TV-Serie Yellowjackets verwendet – klingt Cornflake Girls stotternde Hookline und Saga über weiblichen Verrat auch fast 30 Jahre später noch genauso fesselnd. Das ist geheimnisvoller Pop, der Sie dazu einlädt, ihn zu entschlüsseln.

Viele der Lieder von Amos sind textlich komplex und offen für vielfältige Interpretationen, aber das Schöne an „A Sorta Fairytale“ ist seine Einfachheit – eine Darstellung einer Autofahrt, die mit perfekten Erinnerungen beginnt, aber in Ernüchterung endet, untermalt mit einer Musik, die es schafft Sei episch und doch intim.

In Europa war der Armand Van Helden-Remix von Professional Widow ein so großer Hit, dass das Original im Massenbewusstsein ausgelöscht wurde. Es ist eine Schande, so großartig Van Heldens Version auch ist: In seiner ursprünglichen Form ist Professional Widow ein ganz anderes Biest – brodelnd, bitter, kraftvoll, absolut fesselnd.

Es machte Sinn, dass Amos während der Grunge-Ära riesig wurde. Obwohl sie musikalisch nicht viel mit Nirvana gemeinsam hatte, beschäftigte sie sich mit einer ähnlichen Art der rohen Selbstprüfung, wie bei Winters erschütternder Erkundung des Selbstwertgefühls, des Alterns und ihrer Beziehung zu ihrem Vater. Fünf Minuten unerbittlicher – wenn schön arrangierter – emotionaler Schläge in die Magengrube.

Das Lied ist musikalisch aggressiv – zumindest gemessen an den Maßstäben von Amos‘ frühen Klavieralben – mit passenden Texten und wirft dem Christentum, insbesondere der katholischen Kirche, seine Frauenfeindlichkeit und das vor, was Amos an anderer Stelle als „gewalttätige und hasserfüllte Hingabe“ beschrieben hat. Es ist wütend, bissig, witzig („Brauchen Sie eine Frau, die sich um Sie kümmert?“) und fesselnd.

Spark macht definitiv keine Blödsinn. Das Video, in dem Amos zu sehen ist, wie er erfolglos versucht, einem Entführer zu entkommen, war mit einer Inhaltswarnung eingeleitet; Das Lied selbst handelte stark von einer Fehlgeburt. Alles daran, von den elektronischen Effekten ihres Gesangs über das dramatische Arrangement bis hin zum aufgewühlten Höhepunkt, fühlt sich verstörend, kühn und brillant an.

Es hat etwas ein wenig Erstaunliches an der Tatsache, dass Silent All These Years, der Inbegriff dessen, was Amos‘ Debütalbum so beeindruckend machte, überhaupt nicht dafür gedacht war, von Amos gesungen zu werden: Sie hat es ausgerechnet für den Soft-Rock-Superstar der 70er Jahre geschrieben Al Stewart. Die Texte bewegen „Die kleine Meerjungfrau“, Lachgas-Missbrauch und eine ungeplante Schwangerschaft zu einer Analyse darüber, wie Frauenstimmen nicht gehört werden, aber ihre Brillanz liegt in der Art und Weise, wie sie ihre kathartische Wut mit sanft berührender Musik verbindet und den Hörer effektiv in eine Lüge einlullt Sicherheitsgefühl. Das war nicht der Standard-Mainstream-Singer-Songwriter bei der Arbeit.